Gorgonéion

Tête d'une #Gorgone ou #Méduse, sculptée ou gravée, souvent dessinée avec des serpents émergeant du crâne, langue tirée entre les crocs, placée sur portes, murailles, pièces de monnaie, boucliers, armures et pierres tombales, pour éloigner malchance et mauvais esprits ou terrifier l'ennemi. Le Gorgonéion rappelle les "grotesques" des boucliers de soldats chinois, aussi utilisés comme protection contre le mauvais œil. Le Gorgonéion est notamment représenté sur le bouclier d'#Athéna, déesse de la Guerre et de la Sagesse.

#Γοργόνες / Gorgónes ou #Γοργοῖ / Gorgoĩ), au singulier Gorgone ou Gorgo (#Γοργώ / Gorgố), créatures fantastiques dont le regard a le pouvoir de pétrifier les personnes qui les regardent.

 

(source wikipedia)

Gorgoneion d'époque archaïque
Dessin d'une terre cuite trouvée en 1836 sous le #Parthénon

Les #Gorgones ont parfois des ailes d'or, des serres de cuivre et des défenses de sangliers. On les représentait comme des jeunes femmes, souvent avec des ailes et de grandes dents ; leur chevelure était constituée de serpents. Selon #Ovide (Métamorphoses), seule #Méduse possédait de tels cheveux. #Poséidon, attiré par la couleur dorée de ceux de cette Gorgone, s'était uni à elle dans le temple d'#Athéna. Athéna lui donna cette apparence en guise de châtiment.

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Mort aux Tontons Flingueurs !

CHARB (1967-2015)

Dessinateur, s'est rendu célèbre avec Maurice et Patapon, le chat et le chien anticapitalistes.

Il était, depuis 2009, directeur de la publication du journal satirique Charlie Hebdo. Il a été assassiné le 7 janvier 2015 pendant la conférence de rédaction. Le Petit traité d'intolérance (Librio n°1050) a rencontré un immense succès, devenant un véritable manifeste de l'humour et de la liberté de penser que Charb ne finira jamais d'incarner.

le NOUVEAU PETIT TRAITÉ D'INTOLÉRANCE de CHARB

40 chroniques acides pour continuer à rire (3€ chez Librio)

 

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L’humour est-il une arme de combat ?

Comment vient l’inspiration ? Le caricaturiste est-il un sociologue ?

Le point de vue de Jean-Jacques Sempé 

2018 sera une grande année !

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" Dress to impress "

 The Fashion Outlaw Dapper Dan

Twenty-five years after luxury labels sued his Harlem boutique out of existence,

Gucci looks to him for inspiration.

The Harlem couturier Daniel Day, better known as Dapper Dan, was all over social media last week after Gucci unveiled a jacket that looked very much like one he designed nearly three decades ago for the Olympic sprinter Diane Dixon. The fur-lined piece with balloon sleeves created by Mr. Day in the 1980s made use of the Louis Vuitton logo without the brand’s permission. The new Gucci jacket, designed by Gucci’s creative director, Alessandro Michele, remakes the Dapper Dan jacket, but with the interlocking double-G Gucci logo in place of the Louis Vuitton markings.

Things have come full circle. Litigation by luxury brands ran Dapper Dan’s Boutique out of business in the ’90s, and now here comes a major fashion house trying to grab the attention of a generation steeped in hip-hop by finding inspiration in a onetime fashion outlaw.

The social-media uproar concerning the Gucci-Dapper Dan affair was fueled in part by Ms. Dixon, a gold and silver medal winner who posted photos to her Instagram account of the new Gucci jacket and Mr. Day’s side by side. “Give credit to @dapperdanharlem,” she wrote in the caption. “He did it FIRST in 1989! 

Perhaps surprisingly, Gucci acknowledged its debt to the designer. A post on the brand’s Instagram account called the jacket, which had its debut during its cruise collection runway show, “a homage to Dapper Dan.” Further, a Gucci spokesman told The New York Times that Mr. Michele had reached out to Mr. Day with the idea of collaborating with him.

 

Mr. Day in his shop, Dapper Dan’s Boutique, which closed in 1992. He is wearing his own custom clothing.

Mr. Day confirmed on Friday that Gucci has contacted him. “We’re at the table,” was all he would say about it.

In addition to Gucci’s recent salutation, the Museum of Modern Art plans to include Mr. Day’s work in its fall show “Items.” In an email, MoMA’s senior curator of architecture and design, Paola Antonelli, called Mr. Day a “trailblazer” who “showed even the guardians of the original brands the power of creative appropriation, the new life that an authentically ‘illicit’ use could inject into a stale logo, as well as the commercial potential of a stodgy monogram’s walk on the hip-hop side.”

Mr. Day started down the road to sartorial splendor from 129th Street and Lexington Avenue, where he grew up with three brothers, three sisters, a homemaker mother and a father who worked as a civil servant. In 1982, after an apprenticeship that took him across Africa, he opened Dapper Dan’s Boutique on 125th Street. It lasted 10 years before lawyers from luxury brands moved in.

“What Dap did was take what those major fashion labels were doing and made them better,” said the rapper Darold Ferguson, Jr., who goes by the stage name ASAP Ferg and whose father, Darold Sr., worked at the boutique in the ’80s. “He taught them how to use their designs in a much more effective way. Dap curated hip-hop culture.”

Steve Stoute, the chief executive of the marketing firm Translation, said: “I think what Dap did, he actually taught an entire generation how to engage with luxury brands. Luxury brands, at that point, were not for us. They didn’t even have sizing for black people. So every time I walk into Louis Vuitton to buy a pair of sneakers, or buy a pair of pants in my size, I know they’re only doing it because of Dapper Dan.”

 

Mr. Day, right, in the Malcolm Shabazz Harlem Market. CreditAndre D. Wagner for The New York Times

 At his Harlem brownstone a few days before the Gucci controversy, Mr. Day described how his ideas on fashion, business and life in general came to be.

“My sense of style came from having holes in my shoes,” he said. “I was in third grade, and I would put cardboard and paper in the bottom of my shoes, but it got to the point where the soles were just gone. I just couldn’t take it anymore. I came home from church one Sunday and told my mother: ‘Ma, my feet are killing me. They hurt so bad.’ I had tears in my eyes. The next day, my older brother Cary said: ‘Come on. We’re going to the Goodwill on 124th Street.’ We got there, and Cary asked me, ‘You see anything you like?’ I picked out a nice pair of shoes on the rack and tried them on. Cary asked me, ‘How do they feel?’ I told him, ‘They feel good.’”

Another experience with shoes gave him an understanding of how clothes reflect social status.

“My mom bought me a nice pair of split-toe loafers with a tassel,” he said. “This kid from this snobbish family that lived in the brownstone next door to us began to tease me. He said, ‘Lily Day must’ve hit the number, because you got new shoes.’ I got so mad at that kid, because he was right. Every time my mom hit the number, she bought me and my siblings new shoes. But after those experiences, I started to do for myself. I was going through the window.”

With a group of other children from the neighborhood, he used to go downtown and break the windows of haberdasheries such as Phil Kronfeld and Fred Leighton.

His childhood friend, the Harlem basketball legend Richard Kirkland, known as Pee Wee, corroborated those stories in a short documentary made for Jay Z’s Life & Times blog in 2013. “They called us Ali Baba, like Ali Baba and the 40 thieves, because it would be like 40, 50 guys breaking the windows of clothing stores and jewelry stores downtown, yelling, ‘Ali Baba! Ali Baba!” Mr. Kirkland said.

 

Much of what Mr. Day and Mr. Kirkland talk about regarding the need to dress to impress is part of a generational mind-set for many black men who grew up in Harlem.

“My earliest experiences regarding race was in the home,” Mr. Day said. “I would listen to my mother and father talk about how the structure of white society was affecting us. I also remember Hulan Jack, who was the borough president of Manhattan, coming to my school, P.S. 24, to speak to us. This was a black man who was the borough president of Manhattan who came to tell our sixth grade class that knowledge is power. That fascinated me.”

Mr. Day’s pursuit of the American dream began in two seemingly different but analogous institutions: the street corner and the classroom. “I was a professional gambler as a teenager,” he said. “I would break all of the crap games on 123rd Street and Lenox. I would win big.”

He earned his nickname while playing craps, he said.

“The name was a combination of two things. I was the flyest young guy in my neighborhood. But there was also an older guy, a gambler, and his name was Dapper Dan. When I started beating this guy in the crap games, he said, ‘You are the new Dapper Dan.’ He was also a really great tenor saxophonist. He told me: ‘Just call me Tenor Man Dan. Now, you’re Dapper Dan.’”

Mr. Day grew tired of running the streets after witnessing speeches by Malcolm X. “Malcolm X once said, ‘If you want to understand the flower, study the seed.’ I was getting high at the time, but once I heard that, it stuck with me. I started going to the Countee Cullen library, and began reading about opium and the Boxer Rebellion in China. I said, ‘Oh, this is where it comes from.’ I connected myself to the problem of addiction globally. And I went back to school, courtesy of a program sponsored by the Urban League and Columbia University.

 

Mr. Day talking to friends in the neighborhood. CreditAndre D. Wagner for The New York Times

“I wanted to be a writer. I read books by Dr. John Henrik Clarke, Lerone Bennett. One of my favorite journalists was Earl Caldwell,” the pioneering black investigative reporter known for his articles in The Times on the Black Panthers.

Mr. Day worked for a Harlem newspaper called Forty Acres and a Mule in the ’60s and became aware of the sense of revolution around the country. “The young white kids were moving toward a spiritual, New Age kind of consciousness, and the people I knew were embracing black nationalism,” he said. “I personally was involved with the Nation of Islam, the Black Panthers and an organization called the Mighty Black Zulus. Not the Zulu nation of the Bronx, but a collection of brothers who dressed in black pants, green suspenders and red shirts.”

Mr. Day gave up drinking, smoking and drug use, and became a vegetarian. He toured Africa in 1968 as one of the students chosen by the Columbia University-Urban League program and returned for the Muhammad Ali-George Foreman bout in 1974.

“It changed my life,” Mr. Day said. “All of the artwork on the walls” — he gestured toward the paintings in his living room — “I brought those back with me from Nigeria. I also brought some suits over there. The tailors in Africa were making their version of a westernized, American suit.”

He decided that he wanted to be a clothier in his home neighborhood. He knew all the “boosters” — people who shoplifted from department stores — and he bought garments from them and resold them at a profit. He went from selling clothes out of his car to opening the boutique.

 

An outtake from the photo shoot for “Follow the Leader,” a 1988 album by Eric B. and Rakim. The rappers wore clothing by Dapper Dan. CreditDrew Carolan

In the ’80s he had enough capital to get serious about fur and leather, but many merchants would not sell to him. The exceptions were Fred Schwartz (known as Fred the Furrier), his brother Harold, and Harold’s son, Andrew Marc Schwartz, who started the Andrew Marc label.

Mr. Day began selling Andrew Marc leather jackets with possum lining for $800. A Harlem competitor, A. J. Lester, was offering the same goods for $1,200, and its representatives demanded that Mr. Schwartz stop supplying the upstart competitor. When Mr. Day and Mr. Schwartz considered a compromise — removing the Andrew Marc label from the jackets’ insides — Mr. Day had an epiphany about the importance of brands.

“The label is everything,” he said. “The label is the thing the gangster clientele use to let the other gangsters in the street know, ‘You ain’t got what I got.’ The label or logo sets you apart.”

Around that time, a man entered the boutique carrying a Louis Vuitton pouch. “This dude was bragging about the pouch,” Mr. Day said. “And it occurred to me, if that’s how he feels about the pouch, how would he feel if that Louis Vuitton pouch became a whole outfit?” He laughed at the memory. That was the moment everything changed. Mr. Day hired group of tailors, including Africans he had met in Midtown, family members and a friend from the Nation of Islam.

“I told this brother, ‘I have a lot of ideas, I just need you to do the cutting as I give you the patterns.’ I studied how he would sew the leather from the patterns of my design ideas. Clothes designing sounds fascinating, but it’s hard work. Folks don’t realize that there are limitations in the body form. We’re humans: We have arms, legs, chest. The exciting part of designing clothes is that you can be really creative within the context of those limitations.”

 

Mr. Day on 125th Street in Harlem. CreditAndre D. Wagner for The New York Times

Mr. Day saw an irony in the fact that he was on the rise at a time when Reagan-era economic policies were damaging his home neighborhood.

“A lot of manufacturing businesses began selling off all of their equipment, because they were moving their operations offshore, to China,” he said. “As these manufacturers began to collapse in this country, I knew I needed to get in and salvage what they were leaving behind, so I could build my business. I remember going to an auction in Maine to get a particular machine that cut leather. Most times, I would be the only black guy at these auctions and I would ask questions of all of the experts who knew about the various machines. That is how I learned this business: by asking the right questions.”

At the same time, the crack epidemic was tearing neighborhoods apart.

“The Italians were slowly losing their grip on Harlem and a lot of young guys were moving in, because the price of cocaine began to drop,” he said. “Drugs were and are a curse on places like Harlem, but they created an economy that allowed my business to thrive. The street guys wanted to look good. I was juggling the polarity of Malcolm X and a big time hustler like Joe Jackson. Being a former street guy myself, I understood what was going on around me. I was in it, but not of it.”

The boutique often stayed open seven days a week, 24 hours a day. Dealers took Polaroids of the latest Dapper Dan designs in their wardrobes; those photos reached street hustlers from Philadelphia to Detroit to Los Angeles. “At 2 in the morning, people from as far away as Philly were shopping at Dapper Dan,” the R&B vocalist Jeff Redd said. “He changed the game in fashion.”

Samira Nasr, the fashion director for Elle magazine, likened Mr. Day’s work to that of the innovative hip-hop D.J.s of the era, such as Jason Mizell, a client of Mr. Day’s. Mr. Mizell, who died in 2002, created beats for Run-DMC under the name Jam Master Jay. “Sampling was taking existing music and slicing it to recreate new sounds for original lyrics,” Ms. Nasr wrote in an email. “Dap was sampling in a way. He was taking existing fabrications and breathing new life and beauty into them.”

Big Daddy Kane, Eric B. and Rakim, KRS-One and LL Cool J were among the clients who came for Mr. Day’s unique retrofits of Gucci, Louis Vuitton, Fendi and MCM. He worked the logos into his leather coats, hats, suits and even car interiors.

When asked to describe what he has been up to in the 25 years since his boutique closed, Mr. Day looked at his son and brand manager, Jelani Day.

“He went underground,” Jelani said. “There is more to the story, but that’s all we need to say for now.”

By BARRY MICHAEL COOPER - JUNE 3, 2017

Correction: June 11, 2017

An article last Sunday about the Harlem tailor Daniel Day, known as Dapper Dan, misspelled the given name of MoMA’s senior curator of architecture and design, who called Mr. Day a “trailblazer.” She is Paola Antonelli, not Paolo. The article also misspelled the given name of Mr. Day’s brother. He is Cary, not Kerry. In addition, the article described Jelani Day’s role in his father’s business incorrectly. He serves as the brand manager for Daniel Day, not merely as his business liaison.

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L'art brutal

Des œuvres retirées des cimaises du #Guggenheim à #NewYork

 

 "Attention, fragiles !"

 

L'art brutal de la Chine post-1989 au #Guggenheim de New York.

 

Tiananmen, l'ouverture à la mondialisation et la libéralisation de l'économie: ces chocs ont bouleversé la Chine de l'après-1989 et profondément influé sur une génération d'artistes, au coeur d'une nouvelle exposition au Guggenheim de New York, non épargnée par la polémique.

Pour la commissaire #AlexandraMunroe, l'exposition "Art and China after 1989: Theater of the World", qui a ouvert vendredi, doit "aider à comprendre l'impact humain qu'ont eu ces changements", et n'entend surtout pas proposer un "inventaire de l'art contemporain chinois".

La répression meurtrière du mouvement pro-démocratie de la place Tiananmen, en juin 1989, mais aussi l'accélération des réformes économiques instituées par Deng Xiaoping ont occasionné "les plus grandes transformations" qu'ait jamais connues "en si peu de temps" une population de plus d'un milliard de personnes "dans l'histoire connue de l'humanité", souligne-t-elle.

 

Un changement si marqué, sur une période de temps si ramassée, ne pouvait être que brutal.

 

Dès lors, ce que les 71 artistes ou collectifs exposés au Guggenheim jusqu'au 7 janvier "montrent de cette société et de la nôtre n'est pas toujours joli", a expliqué le directeur du musée Richard Armstrong, en présentant une exposition aux "réalités souvent dures et parfois déchirantes".

Plusieurs oeuvres exposées, réalisées entre 1989 et 2008, ont une dimension éminemment politique, même si l'approche se fait toujours par des voies détournées, face à un régime autoritaire.

 

Il y a les clichés saisissants de Liu Zheng, dédiés à ces Chinois qui se trouvent aux marges de cette course folle au développement économique, ou le "Today No Water", assemblage de Wu Shanzhuan, qui joue avec le langage bureaucratique des communications officielles.

Autre évocation, l'installation géante "Precipitous Parturition" (accouchement précipité) de Chen Zhen, sorte de boyau géant suspendu au milieu de l'atrium du musée et dans lequel entrent des carcasses de vélo, symbole du passage d'une "nation de bicyclettes à un pays de voitures", explique Alexandra Munroe.

 

"Ce serait une erreur de voir cette exposition uniquement avec un prisme politique", prévient néanmoins la commissaire. "C'est le prisme de la vie, du chaos, de la globalisation, du néolibéralisme..."

 

 Des oeuvres retirées sous la pression 

 

Certaines oeuvres abstraites, notamment les croix de Ding Yi ou "l'Abstract" de Yu Youhan, ne peuvent ainsi être reliées à aucun événement particulier. Et parmi les thèmes abordés, il y a aussi la vision occidentale de l'art chinois et de la Chine, l'influence de l'homme sur son environnement ou le spectre de la menace atomique.

 

Beaucoup des oeuvres présentées ont été réalisées par des artistes qui vivaient et travaillaient hors de Chine, avec une perspective différente: c'est l'explosion de l'art contemporain chinois, révélé par l'exposition sur l'avant-garde de février 1989 à Pékin, incarnée par Ai Weiwei, peut-être l'artiste chinois le plus connu en Occident, mais aussi Huang Yong Ping, parfois considéré comme le parrain de cette génération bouillonnante.

La principale installation de Huang Yong Ping prévue pour le Guggenheim, "Theater of the World", qui a donné son titre à l'exposition, n'a cependant pas pu être mise en place comme prévu initialement.

 

Après une campagne via les réseaux sociaux, des défenseurs des animaux ont obtenu qu'elle ne soit pas remplie de reptiles et d'insectes, dont les interactions devaient symboliser les rapports entre dominants et dominés dans notre société.

L'oeuvre est quand même exposée, mais privée de l'essentiel de sa force.

 

Le directeur Richard Armstrong a évoqué des menaces, ayant mené au retrait de l'exposition de deux autres oeuvres: une vidéo mettant en scène deux chiens, et une photo de deux cochons en train de s'accoupler.

"La décision prise par l'institution concernant ces trois oeuvres était peut-être la plus douloureuse de l'histoire du Guggenheim", estime, sans ambages, Alexandra Munroe.

 

"Nous espérons que cette polémique, qui est fascinante et très actuelle, aidera le monde de l'art et le grand public, y compris cette communauté d'internautes assez féroces, à se rapprocher", et permettra de "réduire une fracture qui en a besoin", a plaidé Alexandra Munroe. NEW YORK (AFP) 07.10.2017 - 07:31

 

 Art and China after 1989: Theater of the World

 

Chen Shaoxiong, 5 Hours, 1993/2006. DSL Collection. Performance view: The Third Artistic Event of the Big Tail Elephant Working Group, outside Red Ant Bar, Guangzhou, November 24, 1993 © Chen Shaoxiong. Photo: Courtesy the artist

“One could almost say that the 20th century was summed up a little early, in 1989, even as history since has proceeded apace.” —Wang Hui, Historian

Art and China after 1989 presents work by 71 key artists and groups active across China and worldwide whose critical provocations aim to forge reality free from ideology, to establish the individual apart from the collective, and to define contemporary Chinese experience in universal terms. Bracketed by the end of the Cold War in 1989 and the Beijing Olympics in 2008, it surveys the culture of artistic experimentation during a time characterized by the onset of globalization and the rise of a newly powerful China on the world stage. The exhibition’s subtitle, Theater of the World, comes from an installation by the Xiamen-born, Paris-based artist Huang Yong Ping: a cage-like structure housing live reptiles and insects that coexist in a natural cycle of life, an apt spectacle of globalization’s symbiosis and raw contest.

 

For art and China, the year 1989 was both an end and a beginning. The June Fourth Tiananmen Incident signaled the end of a decade of relatively open political, intellectual, and artistic exploration. It also marked the start of reforms that would launch a new era of accelerated development, international connectedness, and individual possibility, albeit under authoritarian conditions. Artists were at once catalysts and skeptics of the massive changes unfolding around them. Using the critical stance and open-ended forms of international Conceptual art, they created performances, paintings, photography, installations, and video art, and initiated activist projects to engage directly with society. Their emergence during the 1990s and early 2000s coincided with the moment the Western art world began to look beyond its traditional centers, as the phenomenon of global contemporary art started to take shape. Chinese artists were crucial agents in this evolution.

 

Art and China after 1989 is organized in six chronological, thematic sections throughout the rotunda and on Tower Levels 5 and 7. For all the diversity the exhibition encompasses, the artists here have all sought to think beyond China’s political fray and simple East-West dogmas. This freedom of a “third space” has allowed for a vital distance, and a particular insight, as they contend with the legacies of Chinese history, international modernism, and global neoliberalism of the 1990s. Their rambunctious creativity can expand our ever-widening view of contemporary art and inspire new thinking at a moment when the questions they have faced—of identity, equality, ideology, and control—have pressing relevance.

 

Alexandra Munroe, Philip Tinari, and Hou Hanru

 

This exhibition is organized by Alexandra Munroe, Samsung Senior Curator, Asian Art, and Senior Advisor, Global Arts, Solomon R. Guggenheim Museum; with guest cocurators Philip Tinari, Director, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing; and Hou Hanru, Artistic Director, MAXXI, National Museum of 21st Century Arts, Rome.

Curatorial assistance is provided by Kyung An, Assistant Curator, Asian Art, and Xiaorui Zhu-Nowell, Research Associate and Curatorial Assistant, Asian Art, Solomon R. Guggenheim Museum.

 

The archive section was developed in collaboration with Asia Art Archive, Hong Kong.

The Leadership Committee for this exhibition is gratefully acknowledged for its generous support, with special thanks to Cochairs Thomas and Lynn Ou and Liam Wee Tay and Cindy Chua-Tay, Trustee, as well as Karen Lo, Sophia Ma, Jane Yong, Rachel and Jean-Pierre Lehmann, Jun Jun Liu, Yasko Tashiro Porté and Thierry Porté, Akiko Yamazaki and Jerry Yang, Qinglan Ying, Jane Q. Zhao, and those who wish to remain anonymous. Additional support is provided by Gagosian and Stephen and Yana Peel.

Art and China after 1989: Theater of the World has been made possible in part by a major grant from the National Endowment for the Humanities. Major support is provided by the Henry Luce Foundation.

 

Funding is also provided by the W.L.S. Spencer Foundation, the E. Rhodes and Leona B. Carpenter Foundation, The Nancy Foss Heath and Richard B. Heath Educational, Cultural and Environmental Foundation, the National Endowment for the Arts, and the New York State Council on the Arts.

Chen Shaoxiong, 5 Hours, 1993/2006. DSL Collection.

Performance view: The Third Artistic Event of the Big Tail Elephant Working Group, outside Red Ant Bar,

Guangzhou, November 24, 1993 © Chen Shaoxiong. Photo: Courtesy the artist

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Gilles Lipovetsky

- Vivre à l'âge du capitalisme artiste -

Lu le 5 Septembre 2014

L'âge du capitalisme artiste par Christian Ruby — 31 juillet 2016

L'esthétisation du monde: Vivre à l'âge du capitalisme artiste
Gilles Lipovetsky, Jean Serroy

 

 

 

En matière de dessins de presse

il n’existe pas de tabous !

Anette Gehring, directrice du Musée de la caricature de Bâle.

En réponse à Selçuk Demir, avocat turc, mandataire de sportifs, exerçant à Paris, qui d'un post à l'autre passe le plus clair de son temps à dénigrer la France et s'emploie à monter la tête de ses lecteurs par des petites phrases qui peuvent paraitre anodines, comme "La meilleure façon de rendre service à Charlie Hebdo et son islamophobie patente, c'est d'en parler et de partager les caricatures en question. Ne contribuons pas à leur faire de la publicité ...",

j'ai écrit : Vous n'avez rien compris au rôle du dessin de Presse, vous !

Anette Gehring est directrice du Musée de la caricature de Bâle; Seljuk Demir n'a tout simplement pas la compétence requise pour en parler mieux qu'une directrice de musée. Ne serait-ce que sur le seul plan pédagogique, Anette Gehring a plus de poids qu'une déclaration partisane, énoncée en toute méconnaissance du sujet par Selçuk Demir qui s'exprime ici pour une profession dont il ne connait pas les codes.

Résumer cette corporation d'un "islamophobie patente" lapidaire est n'avoir strictement rien compris au but de la caricature et donc à celui du dessinateur de presse. Le post de Selçuk Demir a autant de valeur que si moi je devais émettre une opinion sur les derniers résultats de foot, sport-business auquel je ne connais strictement rien . Ces Turcs qui vivent en France et ne comprennent pas la chance qu'ils ont de pouvoir s'exprimer en toute liberté devraient retourner d'où ils viennent, au fin fond de la steppe, définitivement privés d'internet, ce monstre occidental auquel ils ont à peine accès en Turquie du fait du ralentissement de débit imposé par leur seigneur et maître à penser, Recep Tayyip Erdoğan ! Et je leur recommande vivement la lecture du Nouveau petit traité d'intolérance, de CHARB, édité chez Librio, achevé d'imprimer en septembre 2016.

CHARB (1967-2015) Dessinateur, s'est rendu célèbre avec Maurice et Patapon, le chat et le chien anticapitalistes. Il était, depuis 2009, directeur de la publication du journal satirique Charlie Hebdo. Il a été assassiné le 7 janvier 2015 pendant la conférence de rédaction.

Le Petit traité d'intolérance (Librio n°1050) a rencontré un immense succès, devenant un véritable manifeste de l'humour et de la liberté de penser que Charb ne finira jamais d'incarner. Dans toute bonne librairie française, pour la modique somme de 3€

10 ans de Cartooning for Peace

– Le dessin de presse dans tous ses Etats – 2016

Dans un contexte mondial de plus en plus crispé et violent, le dessin de presse cristallise de nombreuses questions : peut-on tout tolérer au nom de la liberté d’expression ? Peut-on rire de tout et avec tout le monde ? Comment concilier liberté, responsabilité et respect des différences ? À l’initiative du philosophe Régis Debray et du dessinateur Plantu, Cartooning for Peace organisait à Paris, le 21 septembre 2015, le colloque « Le dessin de presse dans tous ses États ».

Des dessinateurs internationaux ainsi que des intellectuels, universitaires, théologiens, représentants du monde politique, culturel et de la société civile ont pris part à ce débat public.

Le présent ouvrage compile les moments les plus forts des différentes interventions, en les mettant en regard de nombreux dessins des membres du réseau #CartooningforPeace, collectés à travers le monde. Le livre aborde des thématiques variées, allant de l’histoire de la caricature aux réseaux sociaux, en passant par la laïcité.

Les dessinateurs invités : #Bonil, #Chappatte, #Elchicotriste, #Glez, #Khalil, #Kichka, #Kroll, #Plantu, #Rayma, #LarsRefn, #Riss, #Slim, #Vadot, #WillisfromTunis, #Zohoré, #Zunar.

Cartooning for Peace est un réseau international de 145 dessinateurs de presse engagés qui combattent, avec humour, pour le respect des cultures et des libertés. Créé en 2006 par Plantu, il a pour président d’honneur #KofiAnnan, prix Nobel de la paix et ancien Secrétaire général des Nations Unies. Cartooning for Peace contribue à la reconnaissance du dessin de presse par l’organisation de nombreuses expositions, conférences autour de la liberté d’expression et rencontres de dessinateurs avec le grand public et les scolaires.

• 200 dessins reproduits dans l’ouvrage dont des inédits créés lors du colloque de septembre 2015

Association de loi 1901, Cartooning for Peace est créée en 2008. Elle est reconnue d’intérêt général.

À l’occasion de la Journée mondiale de la liberté de la presse, Cartooning for Peace propose son premier rapport 2016/2017 sur la situation des dessinateurs de presse dans le monde. Que leurs dessins touchent la politique, l’économie, le sport ou encore la religion, les caricaturistes sont confrontés aux mêmes menaces que les journalistes de presse, de radio et de télévision qui couvrent des sujets sensibles. Ce rapport propose une approche croisée, entre des fiches pays qui permettent de contextualiser les situations dans lesquelles évoluent certains dessinateurs, et des cas emblématiques de caricaturistes. Il est basé sur les données et informations récoltées par la cellule de veille de d’alerte de Cartooning for Peace ainsi que sur les contributions de rédacteurs externes.

Forte d’un réseau de 162 dessinateurs internationaux, Cartooning for Peace tient à promouvoir les regards dessinés de cartoonistes des quatre coins du monde sur des thématiques fondamentales telles que la liberté d’expression, les droits de l’homme, l’environnement, etc.

Censure & liberté d’expression #HaniAbbas

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La recette du jour

La confiture de nouilles remonte à une époque fort lointaine; d'après les renseignements qui nous ont été communiqués par le conservateur du musée de la Tonnellerie, c’est le cuisinier de Vercingétorix qui eut, le premier, l'idée de composer ce chef d'œuvre de la gourmandise.

 

Avant de semer la graine de nouille, les nouilliculteurs préparent longuement le champ nouillifère pour le rendre idoine à la fécondation et versent sur toute sa surface de l'alcool de menthe dans la proportion d'un verre à bordeaux par hectare de superficie; cette opération, qui est confiée à des spécialistes de l'école de Nouilliculture, est effectuée avec un compte-gouttes.

 

Après cela, on laisse fermenter la terre pendant toute la durée de la nouvelle lune et, dès l'apparition du premier quartier, on procède alors aux senouilles de la graine de nouilles.

La nouille, encore à l'état brut, est alors soigneusement triée et débarrassée de ses impuretés; après un premier stade, elle est expédiée à l'usine et passée au laminouille, qui va lui donner l’aspect définitif que nous lui connaissons; le laminouille est une machine extrêmement perfectionnée, qui marche au guignolet-cassis et qui peut débiter jusqu'à 90 kilomètres de nouilles à l'heure; à la sortie du laminouille, la nouille est automatiquement passée au vernis cellulosique, qui la rend imperméable et souple; elle est ensuite hachée menu à la hache d'abordage et râpée. Après le râpage, la nouille est alors mise en bouteille, opération très délicate qui demande énormément d'attention; on met ensuite les bouteilles dans un appareil appelé électronouille, dans lequel passe un courant de 210 volts; après un séjour de douze heures dans cet appareil, les bouteilles sont sorties et on vide la nouille désormais électrifiée dans un récipient placé lui-même sur un réchaud à haute tension.

 

On verse alors dans ledit récipient du sel, du sucre, du poivre de Cayenne, du gingembre, de la cannelle, de l'huile, de la pomme de terre pilée, un flacon de magnésie bismurée, du riz, des carottes, des peaux de saucisson, des tomates, du vin blanc et des piments rouges; on mélange lentement ces 7 ingrédients avec la nouille à l'aide d'une cuillère à pot et on laisse mitonner à petit feu pendant vingt et un jours. La confiture de nouilles est alors virtuellement terminée. Lorsque les vingt et un jours sont écoulés, que la cuisson est parvenue à son point culminant et définitif, on place le récipient dans un placard, afin que la confiture se solidifie et devienne gélatineuse ; quand elle est complètement refroidie, on soulève le récipient très délicatement, avec d'infinies précautions et le maximum de prudence, et on balance le tout par la fenêtre parce que ce n'est pas bon.

Voilà, mesdames et messieurs, l’histoire de la confiture de nouilles; c'est une industrie dont la prospérité s'accroît d'année en année; elle fait vivre des milliers d'artisans, des ingénieurs, des chimistes, des huissiers et des fabricants de lunettes. Sa réputation est universelle, et, en bonne ambassadrice, elle va porter dans les plus lointaines contrées de l'univers, par-delà les mers océanes, le bon renom de notre industrie républicaine, une et indivisible et démocratique. #PierreDac

L'œil, le trait, la plume

 

On devrait imposer Claire Bretécher dans tous les collèges et lycées

de France,

de Navarre,

et d'ailleurs ;

tout le monde y gagnerait. 

Claire Bretecher sur la bourgeoisie et le conformisme 

Fait de société

Pour cette 90ème émission de la série, les auteurs nous proposent une sorte de bilan. Ils sont allés filmer un grand nombre de personnalités ayant participé auparavant à la série, tous appartenant à l'intelligentsia parisienne, et leur ont demandé de réfléchir sur leur rôle des "spécialistes", de "maîtres à penser", et à leur pouvoir sur le grand public. Les spécialistes font-ils vivre par procuration ? L'intelligentsia n'est-elle pas un pilier fondamental du pouvoir ? L'intellectuel d'aujourd'hui, vedette du petit écran, a-t-il quelque chose de commun avec le penseur solitaire d'autrefois? N'offre-t-on pas au public une culture prémachéee? Claire BRETECHER évoque le conformisme des bourgeois qu'elle dessine. S'ils sont cultivés, c'est que la culture fait partie des attributs obligatoires de la bourgeoisie. 30 Sept. 1977

 

Sven Sachsalber

 

à l'exposition Inside - Palais de Tokyo, Paris

Dancing In The Street

 Martha and the Vandellas / 1964 Martha and the Vandellas

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Dancing in the Street, écrite par William Stevenson, Ivory Joe Hunter et Marvin Gaye.

Plusieurs interprétations importantes, la première étant celle de Martha and the Vandellas en juillet 1964 chez Motown records sous le label Gordy. Emblématique des débuts de la Motown, titre qui a fait connaitre Martha Reeves et son groupe.

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David Bowie & Mick Jagger - Dancing In The Street

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9 octobre 2017

Au boulot ! © Iro Pittaco 2017

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Foto zombie

#FrediCasco / #LeMondeDiplomatique, novembre 2013

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David Douglas Duncan

Picasso, modèle de David Douglas Duncan

Conférence au Musée d'art et d'histoire de Genève le 30 octobre 2012, dans le cadre de l'exposition "Picasso à l'oeuvre.

Dans l'objectif de David Douglas Duncan"

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6 octobre 2017

 

Studio 14 - album selfisme ! © -IP. 2017

Titane Le Cat

lit Le Monde diplomatique !

© -IP. 2014

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septembre 2012

Une famille marocaine au lavoir © -IP. 2012

Liu Bolin, "l’homme invisible"

EXPOSITION / 06.09.17 - 29.10.17 - LIU BOLIN / GHOST STORIES

Sculpteur, performeur et photographe, Liu Bolin, surnommé "l’homme invisible", présente dans cette exposition à caractère rétrospectif des photographies issues des quatre grands thèmes abordés dans son œuvre depuis plus de dix ans : la politique et la censure, la tradition et la culture chinoise, la société de consommation et la liberté de la presse. « J’ai décidé de me fondre dans l’environnement. Certains diront que je disparais dans le paysage ; je dirais pour ma part que c’est l’environnement qui s’empare de moi ».

En 2005, sa première série « Hiding in the City » (Se cacher dans la ville) présente un autoportrait de l’artiste immobile et recouvert de peinture, se confondant avec les décombres de son atelier, situé dans le quartier d’artistes rasé par le gouvernement chinois. Une protestation silencieuse : Liu Bolin se rend invisible pour se faire remarquer. Depuis, il crée des œuvres mêlant photographie, body art, art optique et sculpture vivante. Cet homme-caméléon pose pendant des heures devant un mur, un paysage ou un monument pour arriver à se fondre dans le décor –  les yeux fermés, sa silhouette à peine visible – avec l’aide des ses peintres-assistants, sans aucun trucage numérique. À la fin du processus de camouflage, il fige la performance grâce à la photographie.

Ses clichés, souvent ludiques, sont également porteurs d’une forte charge symbolique. Caché devant un drapeau, il nous montre comment l’individu se perd dans une identité collective ; noyé dans le rayon d’un supermarché devant des canettes de boissons importées, il dénonce la société de consommation.

Liu Bolin est né en 1973 dans la province de Shandong, à l’est de la Chine. Il étudie à l’Académie des Beaux-Arts du Shandong avant d’obtenir son diplôme au Beaux-Arts de Pékin en 2001. Il vit et travaille à Pékin.

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"Quelles nouvelles de la forêt?"

 

de Antoine Stavros Pittaco à sa fille Claire
(30/03/1923, Athènes - 28/11/2012 Saint-Menoux, Allier)

La forêt du Chateau Lamothe a été décimée lors de la tempête de 1999;
et le Samovar, 1887, est chez moi !

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